Por fin pude ver otro de esos clásicos que ponen los pelos de punta, La Semilla del Diablo (Rosemary’s Baby, 1968), de Roman Polansky. Este reconocido director fue nominado en diferentes ocasiones a los Óscar, premio que obtuvo en 2003 por The Pianist (2002). El guión, nominado en 1969 en la categoría de mejor guión adaptado, fue escrito por el mismo Roman Polansky a partir de una novela de Ian Levin con el mismo nombre.

La película junta una buena historia con un buen director y actores en estado de gracia, especialmente una espléndida Mia Farrow. Todo ello convierte La Semilla del Diablo en un referente obligado del cine de terror moderno. El film elevó casi a la categoría de género las películas sobre niños malditos y sectas satánicas, y le siguieron títulos remarcables como El Exorcista (The Exorcist, 1973) o La Profecía (The Omen, 1976).

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Quizá es que Paul Auster nos tiene demasiado bien acostumbrados. Sus libros explican algo más que historias, y ha firmado el guión de un gran clásico como Smoke (Wayne Wang, 1995). Los personajes que construye Auster suelen ser próximos, cotidianos, pero al mismo tiempo pueden convertirse en terriblemente dramáticos. Desconozco gran parte de su bibliografía, pero en novelas como El libro de las ilusiones o Brooklin Follies nos presenta a personajes bien construidos que se enfrentan a situaciones bien construidas. En cambio, La vida Interior de Martin Frost (2007), dirigida por él mismo, promete en los primeros minutos unos personajes y unas situaciones que a medida que avanza la película van perdiendo intensidad.

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Hay una fiebre “remakera” que mueve a la industria cinematográfica a repetir fórmulas de manera descarada. Empieza a parecerme escandaloso cómo se suceden en nuestras carteleras los remakes norteamericanos que, de forma explícita o encubierta, son un simple plagio de otra película. Puedo entender que, en algunos casos, sea interesante revisitar algunos clásicos para actualizarlos. Incluso que se tomen películas niponas de éxito y se haga un intento de adaptarlas a la audiencia occidental. Lo que no comprendo es cómo puede haber gente con tanto morro para comprar los derechos de una película que funciona, volver a filmarla tal cual y estrenarla como si se tratara de algo original. Por lo que estoy viendo, esto es lo que ha pasado con Rec (2007), el peliculón de Jaume Balagueró y Paco Plaza.

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Vaya por delante que soy un espectador de los que no se arruga cuando ve sangre en pantalla. En la ficción me parece perfecto que haya violencia cuando está justificada. Pero no entiendo por qué abunda tanto el color rojo en No es país para viejos (No country for old men, 2007). Javier Bardem se sale en su papel de Terminator pasado de rosca, pero su personaje es de lo más soso. Ni evoluciona ni deja evolucionar, porque se carga todo lo que se mueve sin ton ni son. Por eso el mérito del Óscar que ganó como Mejor actor secundario es doble.

Tras contarnos grandes historias como Fargo (1996) o El gran Lebowski (The big Lebowski, 1998) parece que todo lo que hacen los hermanos Cohen tenga que ser una obra maestra. Quizá por eso recibió el premio a Mejor película en la última gala de los Óscar, por inercia. Se trata de una historia que empieza con gran intensidad, se va desdibujando hasta perderse en una violencia sin sentido y se acaba de manera brusca. No aporta nada más allá de la impresión que produce ver cuerpos que salen despedidos por el impacto de las balas, cadáveres en descomposición y huesos rotos que atraviesan la carne.

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En 1951 Eva al desnudo (All About Eve, 1950) se alzó con el premio a la mejor película, junto con 5 estatuitas más. Competía por el galardón con Subset Blvd., de Billy Wilder, el clásico de aventuras King Solomon’s Mines, y un par de comedias, Born Yersterday y Father of the Bride. Seguro que todas ellas eran grandes películas, pero tuvieron la mala pata de estrenarse el mismo año que Eva al desnudo. Joseph L. Mankiewicz dirigió y escribió este clásico, y ese año también logró el Óscar al mejor director. Intentaré no desvelar demasiadas cosas de su argumento porque tenéis que verla.

La película empieza en una ceremonia de entrega de premios en la que se reconocen los mayores talentos del mundo del teatro. Eve Harrington (Anne Baxter) recoge el máximo galardón como actriz, y durante su discurso de agradecimiento vemos las expresiones de algunos de los asistentes que serán los protagonistas del film. Al acabar la película, tras sus 138 minutos que pasan en un santiamén, entenderemos todas y cada una de las expresiones de los distintos personajes durante el discurso.

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La propuesta que hicieron Quentin Tarantino y Robert Rodriguez con GrindHouse (2007) es muy sugerente. Dos películas de terror de serie Z, Death Proof (Tarantino) y Planet Terror (Rodríguez), destinadas a emitirse de forma consecutiva en una sesión doble. Sus propuestas estaban separadas por trailers falsos de películas pasadas de tuerca para acabar de redondear la gamberrada. Incluso hay errores de edición y se han introducido efectos que simulan el deterioro de la película y el audio para redondear la sensación de cine chungo.

Se trata de un homenaje a las películas cutres de los años 70 y a una forma de exponerse a sobredosis de cine que ya no se lleva mucho. Quizá por eso el paquete que incorporaba las dos películas pasó sin pena ni gloria por la taquilla de Estados Unidos y aquí se estrenó como dos filmes independientes.

Me llamaba la atención la propuesta de Tarantino, Death Proof, en la que mezcla erotismo, su peculiar sentido del humor, carreras de coches y… ¿terror? No es que la película no consiga dar miedo, es que no parece que lo intente en ningún momento. Exceptuando el impacto visual de un accidente de tráfico, la tensión brilla por su ausencia durante toda la película.

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¿Por qué las series de médicos tienen tanto éxito? Desde que en TV3 estrenaron A cor obert (St. Elsewhere, 1982) he visto muchas series que han visitado el entorno hospitalario desde diferentes géneros. Los intentos nacionales de acercarnos el día a día de la vida en un hospital han dejado bastante que desear, y otras propuestas de mayor proyección parecen una versión médica de Melrose Place. Tampoco he acabado de conectar nunca con el Dr. House, sinónimo de enfermedad terrorífica y extraña que arrastra a todos sus pacientes a las puertas de la muerte.

La serie Scrubs, que se emitió por primera vez en 2001 por la NBC, es una propuesta que me parece más interesante que otras que han tenido mayor impacto en nuestras pantallas. Con un humor surrealista, y unos personajes muy trabajados, el hospital Sacred Heart se convierte en uno de los centros más interesantes del panorama televisivo actual. De acuerdo, también hay amoríos y algunas tramas que no tienen nada de original, pero el enfoque humorístico es totalmente innovador en el entorno médico.

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El padre de algunas de las mejores aventuras de la ciencia-ficción nos dejó el pasado 19 de marzo. Nunca sabremos qué otras historias corrían por la cabeza de Arthur C. Clarke, pero nos quedan algunas perlas que nadie debe dejarse perder. Obras como El fin de la infancia o Encuentros con Rama contribuyeron a que la conquista del espacio se convirtiera en un tema adulto. Son historias de ciencia-ciencia-ficción, casi un nuevo género.

La película en la que colaboró con Stanley Kubrick, 2001: Odisea en el espacio (1968), es un raro ejemplar de poesía mezclada con filosofía y ciencia. Pero no hay forma de entenderla sin leer la novela de Arthur C. Clarke que lleva el mismo título. Y es que a veces las palabras de este hombre valían más que mil imágenes. Encuentros con rama se convertirá pronto en película, y eso da miedo. Esperemos que cualquier cosa que se haga con sus grandes historias respete el genio del maestro Clarke. Descanse en paz.

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Martin Scorsese, director de grandes clásicos como Taxi driver (1976), El color del dinero (1986) o Casino (1995), nos trajo en 2006 Infiltrados (The departed), un interesante thriller con la mafia irlandesa de Boston como telón de fondo. Leonardo DiCaprio, que tras El aviador (2004) y Gangs of New York (2002) parece haberse convertido en el actor fetiche de Scorsese, interpreta a Billy Costigan, un policía infiltrado en el reino del crimen que dirige Frank Costello (Jack Nicholson). Matt Damon da vida a Colin Sullivan, un hombre de Costello infiltrado en la Massachusetts State Police. El primero intentará recoger pruebas suficientes para encarcelar a Costello, mientras que el segundo le facilitará información privilegiada para impedir que le cojan con las manos en la masa. Ambos viven su particular pantomima desde trincheras opuestas y cuando intuyen la existencia del otro su principal objetivo será desenmascarar al escurridizo oponente.

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Hacía mucho tiempo que me llamaba la atención la película Carretera Perdida (Lost Highway, 1997), de la que conocí antes la banda sonora que el film. La fama de “diferente” (¿o mejor “raro”?) que precede a David Lynch y esas misteriosas líneas amarillas sobre un pavimento supuestamente perdido tienen un gran magnetismo. Ayer finalmente la vi, y no me arrepiento. ¡Pero no entendí nada!

La verdad es que no sé qué pensar de una persona que afirma, según www.davidlynch.es, que “Preferiría suicidarme a hacer una película en la que yo no tenga la última palabra sobre el resultado final”. El resultado final de Carretera perdida, donde hace de director y de guionista junto a Barry Gifford, es un compendio de sensaciones con un protagonista incierto. Es inquietante y consigue engancharte, y te pasas buena parte de la película intentando entender qué demonios está pasando. Cada giro en la historia parece revelador, pero al final salen los títulos de crédito y te preguntas qué parte no entendiste.

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